O mais importante é a gente conhecer o nosso país por dentro, conhecer a nossa cultura, a razão das coisas que fizeram a gente chegar onde nós chegamos, afirmou Lula diante de uma plateia que reunia representantes de gigantes do entretenimento como Globo, Netflix, Disney e Warner Bros. O lançamento ocorre em um momento em que a produção cinematográfica brasileira, majoritariamente financiada com recursos públicos, enfrenta dificuldades para alcançar espectadores.

Segundo reportagem da Carta Capital, a plataforma estreou com 555 obras realizadas entre 1910 e 2025, incluindo 267 curtas, 139 longas-metragens, além de telefilmes e séries. Nos primeiros dias, os títulos mais acessados foram A Hora da Estrela (1985) e Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964).

O investimento total foi de 10,1 milhões de reais, valor equivalente a dois longas-metragens modestos no Brasil. Desse montante, 3,8 milhões foram destinados a um edital de licenciamento, 570 mil reais à aquisição de 19 filmes que representaram o país no Oscar e 5,6 milhões ao desenvolvimento tecnológico.

A secretária do Audiovisual, Joelma Gonzaga, destacou que a iniciativa atualiza programas anteriores como a Programadora Brasil e o Cine Mais Cultura, promovendo a democratização digital com conteúdo 100% brasileiro e gratuito. A curadoria dá ênfase a recortes de cinema negro, cinema indígena e produções dirigidas por mulheres.

Parte do acervo inicial veio de instituições vinculadas ao Ministério da Cultura, como a Cinemateca Brasileira e a Funarte, com acordos previstos para incorporar também o conteúdo da EBC e da TV Brasil. O acesso é feito por login no gov.br, e um aplicativo para celular deve ser lançado em 30 dias.

Daniel Queiroz, da distribuidora Embaúba, vê na plataforma uma chance de romper o nicho dos festivais e salas de cinema especializadas, levando o cinema autoral brasileiro a cidades do interior. O que veremos com o tempo é se os filmes mais relevantes que as pessoas querem ver estarão na plataforma.

O projeto, no entanto, esbarra na realidade do mercado audiovisual, onde a exclusividade é moeda valiosa e grandes sucessos como Ainda Estou Aqui e O Agente Secreto já estão licenciados por Globoplay e Netflix. A ausência de uma regulação específica para o streaming no país também projeta incertezas sobre a capacidade do poder público de manter um catálogo competitivo.

Dados da Agência Nacional do Cinema mostram que apenas 5,3% dos mais de 138 mil títulos disponíveis em 106 plataformas são obras brasileiras. A Netflix, por exemplo, tem apenas 2,8% de conteúdo nacional entre suas 7,8 mil obras.

O lançamento da Tela Brasil representa um passo concreto para escoar uma produção que frequentemente permanece invisível, ao mesmo tempo em que evidencia a urgência de políticas estruturais que garantam presença brasileira no ambiente digital. A plataforma já nasce como a maior oferta pública de filmes nacionais em streaming gratuito no país.

Por Rollo —  que acha que um mundo sem leques seria muito mais quente. E muito menos divertido

 Há objetos que servem para alguma coisa. E há objetos que contam histórias. O leque faz as duas coisas. Nasceu para espantar o calor, atravessou impérios, sobreviveu a reis, rainhas, revoluções, modismos e à invenção do ar-condicionado. Qualquer outro acessório histórico teria se aposentado com dignidade. O leque preferiu continuar causando. Hoje ele está nos palcos, nas festas, nas redes sociais, nos memes, nas figurinhas do WhatsApp e, principalmente, nas mãos de quem entende que um simples VRAAA! pode dizer mais do que um discurso inteiro. Este artigo não fala apenas sobre um objeto. Fala sobre criatividade, liberdade, humor, arte e pertencimento. Fala sobre como algo aparentemente simples conseguiu atravessar séculos e se transformar em símbolo de expressão para milhões de pessoas — LGBT ou não. Porque, no fim das contas, o leque pertence a quem quiser abri-lo. E se a história da humanidade pode ser contada por guerras, tratados e grandes invenções, ela também pode ser contada por pequenos gestos. Alguns deles coloridos, barulhentos e cheios de personalidade. Talvez seja por isso que, tantos séculos depois de sua invenção, o leque continue firme, forte e absolutamente incapaz de passar  despercebido. E que continue assim.

Existe uma pergunta que a humanidade simplesmente se recusou a fazer: como um objeto criado há milhares de anos conseguiu sobreviver a impérios, guerras, revoluções, pandemias, modismos, ao TikTok e à invenção do ar-condicionado? A resposta é simples. Porque o leque entendeu uma coisa que muita gente nunca aprende: aparecer é uma arte. Enquanto milhares de objetos históricos desapareceram sem deixar saudade, o leque continua firme, forte e fazendo barulho. Literalmente! Porque existe um som capaz de atravessar gerações, classes sociais e orientações sexuais. É o lendário VRAAA! Se você ouviu esse som na sua cabeça ao ler esta palavra, parabéns. Você já faz parte da história.

O primeiro influencer da humanidade

Muito antes de existirem influencers vendendo chá detox, o leque já dominava a arte da imagem. Os primeiros registros aparecem na Ásia há milhares de anos. China. Japão. Coreia. Reinos antigos. Cortes imperiais. Cerimônias religiosas.  Ali estava ele. Sempre elegante. Sempre útil. Sempre fotogênico. Aliás, o leque talvez tenha sido o primeiro objeto da história criado simultaneamente para resolver um problema e gerar um close.

O acessório que se recusou a morrer

Pense em quantas coisas ficaram ultrapassadas. Fax. Pager. Locadora. Orkut. DVD. CD. Blu-ray. Mas o leque? O leque olhou para todos eles e respondeu: — Queridos, eu sobrevivi à queda de impérios. Vocês acham mesmo que vou ser derrotado por um ventilador portátil? E não foi. Pelo contrário, saiu dos palácios, entrou nos teatros, conquistou os bailes. Invadiu o cinema. Dominou a dança. E ainda encontrou tempo para virar figurinha de WhatsApp. Currículo respeitável.

Quando a comunidade LGBT encontrou o leque

E então aconteceu aquele tipo de encontro que parece ter sido organizado pelo universo. De um lado, um objeto dramático, exagerado. Expressivo, barulhento, impossível de ignorar. Do outro, uma comunidade que transformou criatividade, estilo e autenticidade em forma de resistência. Era praticamente um casamento marcado pelas estrelas. Ou pelo glitter. O leque deixou de ser apenas um acessório. Virou linguagem, atitude, resposta. Virou comentário. Virou legenda ambulante. Um simples movimento pode significar: “Arrasou!”, “Concordo”, “Discordo”. “Socorro!”, “Que absurdo!”, “Eu sabia!”, “Tô passada!”. Tudo sem gastar uma sílaba. Isso é eficiência comunicativa. A invenção mais divertida depois do sarcasmo.

Existe um detalhe que os historiadores raramente mencionam. As crianças sempre entenderam o leque antes dos adultos. Porque criança não precisa de seminário sobre simbolismo cultural. Ela vê um objeto colorido, que abre, que fecha, que faz barulho. E imediatamente pensa: “Eu preciso disso!”. A mesma lógica do bambolê, da pipa, do ioiô. E de qualquer brinquedo que faz os pais perguntarem: “Mas qual é a graça disso?”. A graça é justamente essa. O leque venceu a internet. E vencer a internet não é tarefa simples. A internet transformou pessoas comuns em celebridades e celebridades em memes. Mas o leque sobreviveu. Virou GIF, virou sticker. Virou reação. Virou emoji não oficial. Virou linguagem universal. Hoje é perfeitamente possível participar de uma discussão inteira no WhatsApp usando apenas figurinhas de leque. E, honestamente? Muitas vezes a qualidade do debate melhora.

Muito além do calor

Argentinos German Rocha e Emiliano na 29ª Parada do Orgulho LGBT+ – Foto: Paulo Pinto/Agência Brasil

Vamos ser sinceros: se a missão fosse apenas refrescar, um ventilador resolveria. O leque sobrevive há milênios porque ele faz algo muito mais importante. Ele chama atenção. Ele cria presença. Ele transforma um gesto simples em espetáculo. E talvez seja justamente por isso que ele encontrou um lugar tão especial na cultura LGBT. Porque, no fundo, ambos compartilham a mesma mensagem: existir também pode ser uma forma de arte.

De olho em junho

Com a chegada do Mês do Orgulho e da Parada LGBT de São Paulo, o leque volta ao seu habitat natural: as ruas, os palcos, as redes sociais e qualquer lugar onde haja calor, alegria e vontade de celebrar. Depois de milhares de anos de história, ele continua fazendo exatamente aquilo que sempre fez: chamar a atenção, só que agora com mais cores, mais glitter. E muito mais personalidade. VRAAA!

(*) Rollo é ator profissional e ex-integrante do Conselho Estadual de Política Cultural do RJ na cadeira do Audiovisual. Atualmente, integra o elenco do espetáculo teatral “O Bem Amado”, de Dias Gomes, ao lado de Diogo Vilela, com direção de Marcus Alvisi.

O presidente Luiz Inácio Lula da Silva lançou a plataforma Tela Brasil, um streaming público e gratuito de conteúdo audiovisual nacional. A iniciativa, realizada no Rio de janeiro, representa um avanço na democratização do acesso à cultura brasileira.

Lula defendeu que a promoção da cultura deve ser uma política de Estado, não apenas de governo. ‘Se for apenas uma política do governo, qualquer um que entra pode tirar, porque tirar as coisas é muito fácil. Consertar é que é difícil’, afirmou.

O presidente destacou o poder transformador da cultura na sociedade. ‘Há uma coisa com a cultura que os ignorantes não gostam: a cultura ensina, abre a cabeça, abre horizontes e faz a gente enxergar um pouco mais longe’, declarou.

A marca de 16 mil Pontos de Cultura foi celebrada durante o evento. Esses projetos, financiados pelo Ministério da Cultura, são executados por entidades públicas e não governamentais em todo o país.

Lula criticou as privatizações realizadas durante o governo Jair Bolsonaro, como a venda da BR Distribuidora e da Liquigás. ‘O que o povo brasileiro ganhou com a privatização da BR? O que melhorou no posto de gasolina?’, questionou.

O presidente argumentou que medidas para conter a alta nos preços dos combustíveis seriam mais eficazes se o Estado ainda controlasse uma distribuidora. ‘A gente não tem uma distribuidora para controlar, porque eles acharam que era bom vender’, lamentou.

Durante a Semana da África, Lula detalhou os intercâmbios educacionais entre universidades federais brasileiras e instituições africanas. Em junho, serão inauguradas novas estruturas da Universidade Federal da Integração Latino-Americana em Foz do Iguaçu.

O presidente defendeu a ampliação de convênios com países latino-americanos e a oferta de cursos a distância. Encerrou conclamando a sociedade a participar de uma revolução cultural para que o Brasil seja ‘dono do seu nariz, da sua história e das suas coisas’.

Leia mais sobre o assunto na agenciabrasil.ebc.com.br.

Leia também: Lula lança plataforma Tela Brasil e reforça soberania cultural

A praticidade do streaming dominou o consumo musical por anos, mas a fadiga com playlists infinitas e qualidade comprimida abriu espaço para o retorno do áudio offline. Em 2026, consumidores redescobrem o prazer de ouvir música em players dedicados e formatos de alta resolução.

Uma reportagem do Canaltech destaca que o movimento não se limita à nostalgia do Walkman clássico. Equipamentos portáteis com DAC dedicado e suporte a arquivos FLAC ganham mercado, atendendo a um público que valoriza a posse da música em vez do acesso efêmero das plataformas.

O fenômeno acompanha o renascimento dos formatos físicos, com o vinil consolidado como líder e o CD mantendo relevância. O cassete, embora ainda restrito a nichos, também registra interesse crescente, impulsionado por estratégias de marketing e referências no cinema.

Horácio De Bonis, proprietário da loja Sonic Discos em Curitiba, avalia que o cassete não avança por falta de interesse massivo. “O que pode acontecer é uma volta com todo um marketing em cima, todo um charme”, afirma. Ele cita o cinema como fator de influência, semelhante ao que ocorreu com o vinil, mas acredita que o CD ainda tem potencial de crescimento.

A fadiga com o streaming está no centro dessa mudança. O consumo fragmentado de playlists reduziu o hábito de ouvir álbuns completos, criando um vazio que o áudio offline preenche. Usuários baixam discos inteiros, organizam bibliotecas digitais e escolhem conscientemente o que ouvir.

O ritual de escutar música com atenção plena explica o crescimento de aparelhos como os novos Walkman digitais da Sony. Além da nostalgia, a qualidade sonora é decisiva, pois formatos como FLAC, DSD e WAV preservam mais informações que os arquivos comprimidos do streaming.

De Bonis ressalta que a qualidade depende do equipamento. “O vinil bem prensado é o que tem a melhor qualidade. Depois eu colocaria o CD e, por último, o cassete”, explica. Ele destaca que um CD player antigo, conectado a um bom amplificador, pode surpreender pela fidelidade sonora.

O novo Walkman não busca substituir o Spotify, mas oferecer uma experiência paralela para momentos específicos. Poucos usuários abandonarão o celular no dia a dia, mas cresce o nicho que reserva o áudio offline para desacelerar e se reconectar com a música de forma mais profunda.

O colecionismo impulsiona essa tendência. De Bonis revela que, entre maio e julho, chegaram ao mercado 2.546 LPs, 1.677 CDs e apenas 65 fitas cassete. “Existe um interesse real por formatos físicos, mas concentrado principalmente em vinil e CD”, observa, indicando que o cassete permanece como item de nicho extremo.

Seja com um Walkman moderno, um discman ressuscitado ou uma vitrola, a tendência é clara: ouvir música com toda a atenção que ela merece. A fadiga do streaming devolveu à experiência musical o caráter humano, libertando-a da lógica algorítmica das plataformas.

A iniciativa tem o objetivo de democratizar o acesso da população à cultura brasileira, a partir da ampliação do alcance da produção nacional.

A plataforma coordenada pelo Ministério da Cultura e desenvolvido em parceria com a Universidade Federal de Alagoas vai disponibilizar filmes brasileiros sob demanda, com acesso integrado ao site Gov.br.

No lançamento do streaming, na Cidade das Artes, na zona Oeste do Rio de Janeiro, o presidente Luiz Inácio Lula da Silva destacou que a plataforma é uma ferramenta de soberania cultural para que os brasileiros conheçam a si mesmos.

“A Tela Brasil vai contribuir para a elevação da compreensão de um país chamado Brasil. Por que nós somos assim? Por que nós fazemos assim?”

O presidente também criticou o excesso de conteúdos estrangeiros nas telas do país, que ele considera de baixa qualidade.

“A quantidade de enlatados de má qualidade que a gente é obrigado a assistir toda noite, porque não tem outra coisa para a gente ver. O que não permite que a juventude brasileira tenha acesso à plenitude da cultura brasileira”, lamentou Lula.

O presidente também chamou a atenção para o desconhecimento sobre o peso econômico e a quantidade de empregos gerados pelo setor cultural brasileiro para o desenvolvimento econômico e profissional.

“O mais importante é a gente conhecer o nosso país por dentro, conhecer a nossa cultura, a razão das coisas que fizeram a gente chegar onde nós chegamos”, disse Lula.

Por fim, o presidente fez a conexão com outras políticas públicas de sua gestão, como o recém-lançado MEC Livros, que já conta com o acervo de mais de 25 mil livros. Ele destacou que o acesso à cultura, agora, faz parte da política de habitação do governo. “Todo o conjunto habitacional que a gente entregar, nesse país, vai ter uma biblioteca para que a pessoa tenha acesso à cultura.”

O projeto contou com um investimento de R$ 9 milhões entre 2024 e 2025. Segundo o governo, o valor garantiu o licenciamento de um catálogo diversificado, desenvolvimento tecnológico próprio e ferramentas completas de acessibilidade.

Histórias ainda não contadas

Presente no lançamento, a ministra da Cultura, Margareth Menezes disse que a motivação de criar a plataforma foi fazer com que o povo brasileiro tenha acesso ao direito cultural.

“Na questão do audiovisual, nós temos um gargalo ainda muito grande na questão da distribuição. Como fazer o povo ter acesso a tudo o que se produz, às coisas que são importantes, que referenciam o nosso país?”

Ela destacou que o audiovisual agrega todas as outras artes como a música, o desenho. “Todo mundo trabalha e tem essa representatividade. A nossa diversidade está no que a gente produz, só que o povo não tinha acesso.”

Em sintonia com o discurso do presidente Lula, a ministra celebrou a soberania, a miscigenação e a necessidade de resgatar o protagonismo das figuras históricas do país.

“O povo que se conhece, o povo que se vê, ele se fortalece, porque nossas histórias são lindas. Temos os povos originários, os povos africanos, os povos europeus, as pessoas que construíram esse país, as histórias que nunca foram contadas.”

Acervo da nova plataforma

O acervo inaugural une conteúdos financiados pelo Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), obras guardadas por instituições do Sistema MinC, como a Cinemateca Brasileira, o Centro Técnico Audiovisual (CTAv), a Funarte e a Fundação Cultural Palmares.

O foco é a diversidade, englobando o cinema negro, o cinema indígena, produções dirigidas por mulheres, e temas urgentes como justiça climática e sustentabilidade.

A Tela Brasil já chega com acervo que cobre desde clássicos históricos de 1910 até produções contemporâneas, de 2025.

Ao todo, a plataforma inicia com 555 obras audiovisuais brasileiras, divididas em:

• 267 curtas-metragens;
• 139 longas-metragens;
• 85 médias-metragens ou telefilmes;
• 64 obras seriadas.

Entre elas: A Hora da Estrela, de Suzana Amaral; Xica da Silva, de Cacá Diegues; Central do Brasil, de Walter Salles; e Cidade de Deus, de Fernando Meirelles.

Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), de Glauber Rocha; Carandiru (2003), de Hector Babenco; e Olga (2004), de Jayme Monjardim, são outras obras de destaque.

O catálogo inicial inclui 19 títulos que já representaram o Brasil na disputa pelo Oscar ao longo da história.

Entre as categorias listadas pelo Ministério da Cultura estão obras para a infância, juventude, de artes e de brasilidade.

Na parte de diversidade cultural, entrou a categoria Africanidades, que reúne obras audiovisuais que narram trajetórias, memórias e experiências da população negra no Brasil, entrelaçando ancestralidade e contemporaneidade.

Acessibilidade é outro ponto central do projeto: todos os títulos selecionados via edital público contam com audiodescrição, legendagem descritiva e interpretação em Língua Brasileira de Sinais (Libras).

“Importante destacar que tem pesquisa no meio sobre acessibilidade. São obras com três recursos de acessibilidade, que envolvem também discussão sobre preservação e memória. Há soluções tecnológicas e soluções jurídicas sobre regulamentação. É política pública baseada em pesquisa e evidência”, disse a professora Luciana Peixoto Santa Rita, que participou do projeto pela UFAL.

Perfis de utilização

Para começar a navegar, o usuário precisa de uma conta ativa no sistema de login único do governo federal, o Gov.br. A plataforma tem duas formas de navegação:

Perfil Cidadão: qualquer pessoa pode acessar de forma individual e gratuita a filmes, séries e documentários organizados por gêneros, formatos e categorias, além de criar uma lista de favoritos.

Perfil Direcionado: criado especialmente para exibições coletivas e sem fins comerciais em salas de aula, cineclubes, pontos de cultura, bibliotecas e museus de todo o país.

Numa primeira fase, a plataforma funciona diretamente no navegador de computadores (com opção de transmissão para Smart TVs). Os aplicativos para celulares (Android e iOS) serão disponibilizados em um prazo de 30 dias.

Parcerias

Durante o evento, também foi assinado um Acordo de Cooperação Técnica (ACT) entre o Ministério da Cultura (MinC) e a TV Brasil, emissora pública da Empresa Brasil de Comunicação (EBC) para expandir a oferta, a circulação de conteúdos e a integração das políticas públicas para o audiovisual brasileiro.

A Tela Brasil foi desenvolvida com tecnologia brasileira, pelo Ministério da Cultura (MinC) com o apoio da Universidade Federal de Alagoas (UFAL).

Fonte: Agência Brasil

O presidente Luiz Inácio Lula da Silva anunciou a criação da Plataforma Tela Brasil, serviço público de streaming dedicado exclusivamente a produções audiovisuais nacionais. A iniciativa, desenvolvida pelo Ministério da Cultura em parceria com a Universidade Federal de Alagoas, utiliza tecnologia 100% nacional.

Durante cerimônia no Rio de Janeiro, Lula enfatizou o papel estratégico da cultura para o desenvolvimento econômico e social do país. O presidente afirmou que a produção cultural gera pertencimento e mobiliza centenas de profissionais em toda a cadeia produtiva.

Segundo Lula, a cultura representa um vetor econômico ainda subestimado nas métricas tradicionais. Cada obra audiovisual, mesmo as de menor porte, movimenta uma extensa rede de trabalhadores e contribui para a economia criativa.

A Tela Brasil surge como alternativa às plataformas estrangeiras dominantes no mercado digital. O projeto visa ampliar o acesso da população a filmes, documentários e outras obras brasileiras que circulam restritamente em festivais e mostras.

O governo espera que a plataforma fortaleça o setor audiovisual nacional, com atenção especial aos produtores independentes. A iniciativa chega em momento estratégico, quando o país busca consolidar políticas públicas de fomento à diversidade cultural no ambiente digital.

O desenvolvimento da plataforma contou com a expertise acadêmica da UFAL e a gestão pública do MinC. A opção por tecnologia nacional reforça a diretriz governamental de reduzir dependência de soluções estrangeiras e fortalecer a infraestrutura digital brasileira.

Lula destacou que a cultura transcende o entretenimento, funcionando como instrumento de transformação social. O presidente defendeu que investimentos no setor audiovisual geram retorno econômico mensurável, apesar de frequentemente subdimensionado.

A Tela Brasil reunirá um acervo diversificado de obras independentes, incluindo clássicos restaurados e lançamentos contemporâneos. A plataforma pretende se tornar referência para quem busca produções brasileiras de qualidade fora dos catálogos comerciais.

A iniciativa também promove a descentralização da produção cultural no país. Realizadores de todas as regiões terão oportunidade de exibir suas obras em vitrine nacional, impulsionando a economia criativa em estados historicamente marginalizados pelos grandes circuitos de exibição.

Leia mais sobre o assunto na metropoles.com.

Leia também: Lula lança Tela Brasil, plataforma pública de streaming com 3 mil horas de conteúdo

O documentário Alma Negra – Do Quilombo ao Baile, dirigido por Flavio Frederico, chegou aos cinemas brasileiros com a missão de resgatar um capítulo essencial da história cultural do país. A obra de 102 minutos mergulha no movimento dos bailes black que floresceu nos anos 1970 durante a ditadura militar.

A produção reúne depoimentos de figuras como a socióloga Edneia Gonçalves, o produtor cultural Dom Filó e o historiador Carlos Alberto Medeiros. Eles ajudam a reconstruir a narrativa de resistência cultural negra no Brasil, sistematicamente apagada da história oficial.

A música era o centro daquele momento, com artistas como Tim Maia, Jorge Ben, Hyldon, Cassiano, Carlos Dafé, Gerson King Combo e Tony Tornado. Eles construíram uma identidade sonora que dialogava com a diáspora africana e a luta por direitos civis nos Estados Unidos.

O filme investiga como o racismo operou para sufocar o movimento black e retirá-lo da narrativa oficial. O apagamento não foi acidental, mas resultado de uma articulação que via na expressão cultural negra uma ameaça à ordem estabelecida.

O documentário aborda a reação de direita e esquerda à ascensão do movimento negro influenciado pela música americana. Para a direita, tratava-se de um ativismo perigoso inspirado nos Panteras Negras que precisava ser contido.

Setores da esquerda viam a manifestação como uma investida do imperialismo americano. Essa dupla pressão revela como o movimento black enfrentou resistências de ambos os lados, mas ainda assim deixou marcas profundas na música brasileira.

O longa reforça o papel central do quilombo como espaço de resistência histórica e sociabilidade. A trajetória dos quilombos coloniais aos bailes soul demonstra a continuidade da luta por afirmação cultural e política da população negra.

As imagens de arquivo são um dos pontos altos da produção. Elas transportam o espectador para a atmosfera dos bailes e da efervescência cultural da década de 1970, resgatando cenas que as narrativas oficiais tentaram apagar.

O resgate promovido pelo documentário chega em um momento em que a música brasileira contemporânea revisita o soul e o funk dos anos 1970. A obra funciona como uma ponte entre gerações, conectando o passado de luta à criatividade atual.

Ao trazer esse legado com rigor histórico, Alma Negra presta um serviço à memória coletiva brasileira. O documentário reafirma a potência da cultura negra como força transformadora em um país que ainda enfrenta o racismo estrutural.

Leia mais sobre o assunto na Carta Capital.

O presidente Luiz Inácio Lula da Silva lança neste sábado a Tela Brasil, plataforma pública e gratuita de streaming, durante o Rio2C, maior encontro de criatividade da América Latina. O evento ocorre no Rio de Janeiro com a presença de autoridades e artistas.

A TV Brasil integrará o catálogo da plataforma com mais de 150 títulos e 3 mil horas de programação disponíveis gratuitamente. A cerimônia de lançamento será apresentada por Cissa Guimarães, que comanda o programa Sem Censura na emissora pública.

A iniciativa resulta de parceria entre a Empresa Brasil de Comunicação (EBC) e o Ministério da Cultura (MinC). O acordo reúne produções de diferentes gêneros para ampliar o acesso ao conteúdo audiovisual brasileiro.

A presidente da EBC, Antonia Pellegrino, destacou que a plataforma levará ao público parte importante da história da comunicação pública do país. Ela afirmou que a parceria representa a união entre MinC e TV Brasil para oferecer conteúdo gratuito, acessível e de qualidade.

Os próximos contratos de licenciamento de filmes da TV Brasil já preverão a exibição das obras na Tela Brasil. A medida reforça o compromisso com a democratização do acesso ao audiovisual nacional, conforme informou o portal Metrópoles.

Leia mais sobre o assunto na metropoles.com.

Um manuscrito medieval do ciclo do Rei Arthur, datado entre 1290 e 1310, será leiloado e pode alcançar mais de US$ 2 milhões.

A obra, conhecida como Clermont-Tonnerre Grail, é a mais antiga das três versões do Ciclo da Vulgata em mãos privadas. Contém 126 miniaturas ilustradas com tinta e ouro polido, criadas pelo Mestre do Apocalipse de Liège.

O manuscrito narra lendas arturianas, incluindo histórias de Merlim, Lancelote e a busca do Santo Graal. Eugenio Donadoni, especialista da Christie’s, destacou a importância cultural e artística da peça, ressaltando o uso de ouro brunido nas ilustrações.

Irene Fabry-Tehranchi, especialista da Biblioteca da Universidade de Cambridge, explicou que a obra foi produzida para patronos aristocráticos. O texto inclui um final resumido, prática comum na escrita medieval para atender ao gosto do público.

As iluminuras retratam cenas como Merlim transformado em cervo falante e cavaleiros em combates. O estilo do Mestre do Apocalipse de Liège é marcado por figuras de traços ágeis e contrastes de cores vibrantes.

O manuscrito integra o Ciclo da Vulgata, base para obras como Le Morte d’Arthur, de Thomas Malory. Sua permanência em coleções privadas limitou o acesso de pesquisadores, que esperam que seja adquirido por uma instituição pública.

A Christie’s estima que o valor ultrapasse US$ 2 milhões, destacando a raridade e a excelência artística do volume. A expectativa é de grande interesse no mercado de arte e literatura.

Leia mais sobre o assunto na smithsonianmag.com.

Essa contradição é mais comum do que parece. E, segundo pesquisadores que estudam o tema há décadas, ela tem consequências reais para a saúde mental e a capacidade de enfrentar adversidades. A boa notícia é que existe uma saída: a autocompaixão. E praticá-la é mais acessível do que muita gente imagina.

Antes de tudo, vale desfazer um equívoco frequente. Autocompaixão não é fraqueza, nem comodismo, nem desculpa para não melhorar. Trata-se, essencialmente, de tratar a si mesmo com o mesmo cuidado que você ofereceria a outra pessoa em sofrimento.

Kristin Neff, professora associada de psicologia educacional na Universidade do Texas em Austin e uma das maiores referências mundiais no tema, define bem essa distinção: “Podemos dizer: ‘Cometi um erro’, em vez de dizer: ‘Eu sou um erro’. É uma alternativa mais saudável à autoestima, porque não se trata de se julgar positivamente, mas sim de ser gentil e prestativo consigo mesmo.”

A diferença entre as duas frases parece sutil, mas muda tudo. Uma reconhece o erro sem destruir quem errou. A outra transforma o deslize em identidade — e isso tem um custo alto.

Além disso, autocompaixão não é autoindulgência. Enquanto a indulgência leva a comportamentos prejudiciais a longo prazo, a autocompaixão, ao contrário, reduz o esgotamento e aumenta a capacidade de cuidar dos outros. Ou seja: quem cuida bem de si mesmo cuida melhor do coletivo também.

Por que somos tão duros com nós mesmos?

A autocrítica excessiva não surge do nada. Ela tem raízes culturais, sociais e, muitas vezes, econômicas. Vivemos numa sociedade que valoriza produtividade acima de tudo, pune o erro e confunde descanso com preguiça. Nesse contexto, não surpreende que tantas pessoas internalizem uma voz interna severa e inflexível.

“A grande maioria das pessoas é significativamente mais compassiva com os outros do que consigo mesma”, observa Neff. Essa assimetria não é natural — ela é construída. E, por isso, pode ser desconstruída.

Pesquisas na área mostram que pessoas com maior nível de autocompaixão enfrentam situações estressantes com mais resiliência. Elas não ignoram o sofrimento, mas também não se afogam nele. Conseguem reconhecer a dor sem deixar que ela defina quem são.

Steven C. Hayes, psicólogo clínico e criador da Terapia de Aceitação e Compromisso (ACT), vai além na definição: a autocompaixão “é o empoderamento de ser você mesmo, de sentir o que está sentindo, plenamente e sem defesas desnecessárias”. Não é fuga — é presença.

Técnicas concretas para praticar a autocompaixão

A teoria é importante, mas o cotidiano exige prática. Felizmente, existem formas simples e comprovadas de desenvolver uma relação mais gentil consigo mesmo.

Fale bem de você — todos os dias. Parece óbvio, mas pouquíssimas pessoas fazem isso de forma consciente. Observe como você se dirige a si mesmo ao longo do dia. Você se encoraja ou se sabotar? Se a autocrítica domina, experimente mudar o tom. Trate-se como trataria um bom amigo na mesma situação.

Use o método RAIN. A psicóloga Tara Brach, autora de “Aceitação Radical”, desenvolveu uma abordagem estruturada em quatro etapas: Reconhecer, Permitir, Investigar e Nutrir. Primeiro, identifique a emoção que está sentindo. Depois, deixe-a existir sem reprimi-la. Em seguida, observe como o corpo reage — há tensão no peito? Um nó no estômago? E, por fim, pergunte a si mesmo: do que essa parte que sofre mais precisa agora?

“Esse é provavelmente o maior sofrimento que as pessoas têm: ‘Não sou amável, estou aquém, deveria estar fazendo mais'”, diz Brach. O método RAIN ajuda a interromper esse ciclo antes que ele vire espiral.

Às vezes, o corpo responde antes da mente. Um estudo com 135 estudantes universitários mostrou que dedicar apenas 20 segundos por dia a colocar as mãos sobre o coração e o abdômen — enquanto se pensa em algo como “como posso ser meu próprio amigo neste momento?” — reduziu o estresse e aumentou a autocompaixão após apenas um mês.

Vinte segundos. O tempo de uma respiração profunda. O tempo que qualquer pessoa, independentemente da rotina ou da condição financeira, consegue encontrar no dia.

Esse dado importa porque desmonta a ideia de que cuidar de si exige dinheiro, tempo livre ou acesso a terapia. Obviamente, quando esses recursos existem, fazem diferença. Mas a autocompaixão começa antes — começa numa frase gentil dita para si mesmo no espelho de manhã.

Aqui entra uma dimensão que vai além do indivíduo. Cultivar autocompaixão não significa se fechar no próprio umbigo — pelo contrário. Hayes explica que, ao desenvolver compaixão por si mesmo, a pessoa se torna mais capaz de oferecer cuidado genuíno aos outros. “Mostre a eles que não estão sozinhos. Precisamos de pessoas que sejam mais autocompassivas e compassivas com os outros.”

Neff vai ainda mais longe. Para ela, a autocompaixão pode se transformar numa força de transformação social. Ela pode se expressar no estabelecimento de limites saudáveis em relações abusivas, no engajamento em causas coletivas, no voluntariado, na participação política. “Parte do cuidado com nós mesmos significa tentar acabar com o dano também no nível da sociedade. É algo maior do que apenas o nosso indivíduo.”

Nesse sentido, ser gentil consigo mesmo não é um ato de resignação — é um ato de resistência. Numa cultura que lucra com a insegurança alheia, que vende autoajuda cara e culpa quem não consegue “se superar”, cuidar de si com compaixão é, também, uma forma de não se dobrar ao que o sistema espera.

Não existe fórmula perfeita nem ponto de chegada definitivo. A autocompaixão é uma prática — e como toda prática, exige repetição, paciência e, sim, compaixão com os próprios tropeços no caminho.

O convite é simples: da próxima vez que você errar, pausar antes da autocrítica automática. Respirar. E perguntar: o que eu diria para um amigo que estivesse passando por isso? Depois, dizer exatamente isso para si mesmo.

É um começo. E começos importam.

Com informações de NYT* 

O Instituto de Arte e Comunicação Social da Universidade Federal Fluminense (IACS-UFF) promove o primeiro FANDOM – Festival Acadêmico, Novos Desenvolvimentos e Outros Movimentos. O evento é destinado não apenas à comunidade do IACS e de toda a UFF, como ao público geral. Serão três dias de festival, de 26 a 28 de maio, com atividades diversas, muita cultura e troca acadêmica, com participação de todos os dez cursos do Instituto.

O objetivo principal do FANDOM é conectar saberes e culturas, fomentar a inovação e reflexão crítica e oferecer uma programação diversificada. Serão com apresentações culturais, oficinas, palestras, debates, rodas de conversa, workshops, aulas abertas, exposições e seminários.

O festival promoverá, ao longo de três dias, uma integração entre diferentes áreas do conhecimento acadêmico e manifestações culturais, fomentando uma troca entre a comunidade, além de criar um espaço dinâmico para o compartilhamento de ideias e discussões sobre o papel da educação no desenvolvimento cultural e social.

Programação diversa

O evento de abertura oficial do festival acontecerá na noite do dia 25 e já tem participação confirmada da vereadora Benny Briolly (PT).

As atividades são divididas em seis eixos temáticos que envolvem cultura, território, juventude, oportunidades, equidade, inclusão, sustentabilidade e economia criativa. Serão muitas atividades sobre culturas diversas, tecnologia, esportes, cinema e audiovisual, além de outros eventos e festivais que acontecerão dentro do FANDOM.

A programação conta com aula aberta sobre narrativas femininas no anime e mangá shoujo, oficina de graffiti, debate sobre a inteligência artificial generativa em sala de aula, oficina de reciclagem, workshop de forró, show da cantora e compositora Bel Cortez, e muitas outras atividades e presenças confirmadas, divulgadas no perfil do FANDOM no Instagram (@fandomiacs) e no site www.fandomiacs.com.br.

Destaques

Abrindo o debate sobre inclusão, o festival receberá a ativista PcD, palestrante e influenciadora digital Isabella Savaget, que conduzirá a palestra “Inclusão PcD: do discurso organizacional à prática”.

Os amantes de fotografia e de esporte já têm programação garantida com palestra e roda de conversa sobre fotografia de futebol com o fotógrafo do Flamengo, Adriano Fontes, além da palestra “Futuros Visíveis: autoinscrição negra e tecnopoéticas visuais com IA”, com o fotógrafo, pesquisador e professor da Escola de Comunicação da UFRJ, Daniel Meirinho. O festival também oferecerá uma aula aberta de introdução à fotografia analógica com o fotógrafo Brenner Ribeiro.

O time do audiovisual também já tem compromisso agendado com a exibição do longa-metragem “A Maldita”, de Tetê Mattos, seguida de debate com a diretora, e com a locutora Selma Boiron. Outro filme que será exibido no festival é “Cheiro de diesel”, que retrata os traumas coletivos da militarização das favelas do Rio de Janeiro ocupadas pelas Forças Armadas durante os megaeventos esportivos, acompanhado de um debate conduzido pelas professoras Carla Baiense e Geisa Rodrigues. Será oferecida também uma aula aberta sobre a história do cinema queer brasileiro, com Bruny Derotzi.

A palestra “Referência e história não são nostalgia – são vantagens competitivas” com Mário Barreto, membro da equipe de Hans Donner — designer responsável pelas grandes vinhetas da TV Globo —, é uma das grandes oportunidades para quem atua ou pretende atuar com audiovisual.

Outra grande oportunidade é a presença de duas representantes do time de audiovisual da Sony Music Brasil, a gerente de artistas e repertório (A&R), Roberta Salomone, e a analista A&R, Luiza Catalani, para ministrar a palestra “Sem corte: o que a câmera não mostra sobre o mercado audiovisual”.

A apresentação cultural “Roda de trocas e danças: Exu, comunicação e movimento” com a bailarina, professora de danças de matriz africana e coreógrafa, Aline Valentim, é outra grande promessa do evento, voltando o olhar à cultura e à ancestralidade.

Oportunidades

O festival também busca ser um palco de oportunidades para estudantes e profissionais. Sob o tema “O futuro do emprego na economia do conhecimento”, serão oferecidas uma aula aberta com a secretária de inovação da Prefeitura de Niterói, Juliana Benício, e uma oficina com Vaniza Schuch e Flavio Ceccon.

Além disso, a oficina de marca pessoal, com Tânia Martins e Gisele Karam, busca ajudar profissionais a criarem sua própria marca. A palestra “Conheça sua marca pessoal: narrativa em marketing digital e de mídias sociais para carreiras criativas na economia digital”, com a Ph.D em Marketing e professora clínica na Culverhouse College of Business da Universidade do Alabama, Drª. Virginia Rolling, é outra iniciativa voltada a auxiliar profissionais na criação de sua marca, pensando no ambiente digital.

Outro participante que vai cruzar o continente americano para trazer sua contribuição é o Ph.D em Educação Científica e professor assistente na Universidade Estadual da California, Dr. Jonathan L. Hall, que ministrará a palestra “Tornando-se mulheres na ciência: identidade, mundos relacionais e caminhos para a equidade em STEM (Ciência, Tecnologia, Engenharia e Matemática)”.

A roda de conversa “Da caixa-preta ao set de novela: juventudes, audiovisual e oportunidades” com o assistente de direção da Globo, Bruno Rossi, e o professor Guilherme Lima da UFF, busca traçar um horizonte de oportunidades no mercado audiovisual. A palestra “Para de esperar por um milagre: game jams, comunidade e o primeiro passo para criar jogos” com Júlia Gabina Jogaib Lobo é outra excelente oportunidade, destinada a quem deseja ingressar no mercado de criação de jogos.

Para fomentar ainda mais o encontro entre interesse e oportunidade, o Centro de Integração Empresa-Escola (CIEE) também estará presente com uma mesa para divulgação de vagas de estágio.

SERVIÇO

Se interessou? Anote na agenda: o FANDOM IACS acontece nos dias 26, 27 e 28 de maio, no campus da UFF no Gragoatá, das 14h às 21h. E só chegar!

Confira a programação completa no perfil do FANDOM no Instagram (@fandomiacs) e no site www.fandomiacs.com.br. Algumas atividades têm vagas limitadas e, para participar, é necessário realizar inscrição pelo site em: https://www.fandomiacs.com.br/schedule.

Para mais informações:

Assessoria de Imprensa – Isabella Cirne e Maria Clara Machado

E-mails: isabellacirne@gmail.com / claramachado@id.uff.br

Telefones: Isabella (21) 98349-5206 / Clara (21) 97666-5602

Um acidente durante a montagem do espetáculo do humorista Fábio Porchat no Teatro Humboldt, localizado em Interlagos, zona sul de São Paulo, deixou seis pessoas feridas após a queda de parte da estrutura de iluminação. Uma técnica que ajustava equipamentos caiu de altura considerável, provocando o desabamento de caixas de luzes sobre espectadores que aguardavam o início da apresentação.

O incidente resultou no cancelamento imediato das duas sessões programadas para o dia. Cinco pessoas do público foram atingidas pelos equipamentos que despencaram, além da própria profissional de iluminação que sofreu a queda inicial.

O ator e humorista Fábio Porchat comunicou o ocorrido por meio de suas redes sociais, informando que a técnica ferida passa bem e que os espectadores atingidos receberam atendimento médico sem registros de ferimentos graves. Ele garantiu o ressarcimento integral dos ingressos adquiridos e anunciou que uma nova data será agendada para as apresentações canceladas.

O Colégio Humboldt, instituição que abriga o teatro, divulgou nota oficial lamentando o acidente. A escola informou que sua equipe de suporte prestou atendimento imediato às vítimas, disponibilizando ambulância para os primeiros socorros e encaminhamentos necessários.

A instituição declarou que colabora com as autoridades para apuração das causas do incidente. O colégio afirmou ainda que mantém assistência às vítimas e seus familiares enquanto a investigação prossegue.

O Teatro Humboldt foi inaugurado em 2003 com patrocínio da Fundação Alemã Quandt e possui capacidade para 430 espectadores. O espaço conta com acessibilidade para pessoas com deficiência e integra a infraestrutura cultural da zona sul paulistana.

Leia mais sobre o assunto na noticias.uol.com.br.

A distribuição sempre foi tratada como o gargalo do cinema. O lugar onde alguns filmes passam e outros não. Durante muito tempo, isso fez sentido. Hoje, não faz mais.

Porque os filmes existem. Eles estão aí. As plataformas ampliaram brutalmente a oferta. Nunca se produziu tanto, nunca se teve tanto disponível. Então o problema não é mais chegar.

O problema é existir.

E existir, hoje, é outra coisa.

Especialmente para o cinema independente, que nunca foi distribuído da mesma forma que o cinema americano, mainstream, empurrado por máquinas de mídia. Esse cinema sempre precisou de validação. E essa validação, historicamente, vem dos festivais.

Os festivais são, em teoria, o lugar da descoberta. O lugar que revela o novo, que aponta caminhos, que legitima.

Mas os festivais também têm seus limites.

Eles têm seus interesses, suas zonas de conforto, suas agendas. E, no fim das contas, tudo passa por economia. Por decisão. Por escolha.

Porque ninguém chega a um filme só pelo tema. Existe todo um conjunto de sinais que fazem esse filme aparecer como escolha possível — quem dirige, quem atua, o que já foi dito sobre ele, onde ele circulou. O reconhecimento vem antes.

Existe uma cinefilia atenta ao novo, ao diferente — mas ela é um recorte. Para além disso, existe um público que precisa ser conquistado. E esse trabalho não é automático.

E aí entra uma mudança que pouca gente quer encarar de frente.

O streaming ampliou a oferta, sim. Mas ele também organizou essa oferta.

Ele deixou muito claro que existe um tipo de conteúdo que é feito para estar ali.

E, ao mesmo tempo, reforçou outra coisa: para você sair de casa e ir ao cinema, precisa ser por um motivo.

Ir ao cinema hoje não é mais um gesto automático.

É quase um ato de posição.

É quase como ir a uma manifestação.

Você se desloca, você escolhe, você decide estar ali.

E essa decisão passa, inevitavelmente, por identificação, por urgência, por representatividade.

Então a distribuição hoje não é criar desejo.

E também não é simplesmente escolher um filme.

A distribuição hoje é ter posicionamento.

É entender o que você coloca em circulação e por quê.

É assumir publicamente quais histórias você considera que precisam ocupar espaço.

Porque nem todo filme precisa — e nem deveria — estar no cinema.

E isso o próprio streaming já deixou evidente.

Ao mesmo tempo, existe algo fundamental: a sala de cinema ainda é um espaço mais democrático.

Porque ali não existe um executivo de streaming decidindo sozinho o que vai aparecer com mais destaque, baseado apenas em lógica comercial e algoritmo.

Graças às salas independentes — e isso é muito importante dizer — ainda existe um espaço onde certos filmes podem existir.

Filmes que, muitas vezes, não teriam lugar em nenhum outro circuito.

E é exatamente nesse ponto que entra Fanon, de Jean-Claude Barny.

Um filme que eu considero um filme missão.

Fanon não é qualquer personagem. Ele é um dos maiores intelectuais do século XX. Psiquiatra, filósofo, pensador central do decolonialismo. Um homem que morreu aos 36 anos e, ainda assim, produziu uma obra que atravessa o século.

Isso não é simples de transformar em cinema.

E, ainda assim, o filme consegue.

É uma obra de duas horas e vinte minutos que consegue fazer algo raro: dar forma cinematográfica a um pensamento complexo sem esvaziá-lo. Não é um filme frio. É um filme atravessado por emoção, por conflito, por vida.

E, justamente por isso, ele não entrou nos grandes festivais europeus.

Isso precisa ser dito.

Porque ainda existem temas que não circulam com facilidade.

E o colonialismo é um deles.

A Europa sabe o que fez. E não gosta de olhar para isso.

Então o filme foi recusado.

Mas foi lançado.

Na França, por uma distribuidora independente, uma mulher tunisiana, que entendeu a importância desse projeto. Ela fez o que a gente faz: construiu o caminho.

Pouca mídia.

Pouco espaço.

78 salas.

E aí o público respondeu.

O filme cresceu. Foi de 78 para 300 salas.

Eu estava lá. Eu vi.

Vi sessões cheias. Vi um público diverso. Vi, inclusive, salas majoritariamente de franceses brancos profundamente impactados pelo filme.

Isso desmonta uma ideia muito confortável: de que certos filmes falam só para determinados públicos.

Não.

Quando o filme é forte, ele atravessa.

Foi nesse momento que eu entendi que Fanon precisava estar no Brasil.

E, para mim, isso não é só uma decisão profissional.

Eu sou bisneta de um homem que nasceu escravizado.

Meu bisavô saiu de Minas Gerais e chegou ao Rio de Janeiro já liberto, com a avó dele.

Essa história não é distante de mim.

Ela me atravessa.

E Fanon atravessa essa história.

Esse filme foi distribuído em pouquíssimos lugares. França, Canadá, territórios ligados à origem do diretor. E só.

E, ainda assim, quando Jean-Claude Barny fez o primeiro post sobre o filme, brasileiros começaram a aparecer.

A perguntar.

A querer ver.

Existe uma percepção clara: o Brasil é um lugar para esse filme existir.

Mas existir não é automático.

A gente vai repetir aqui o que já aconteceu lá: pouco espaço, pouca mídia, necessidade de construir tudo.

E é por isso que esse não é um lançamento qualquer.

É um chamado.

A comunidade cinéfila precisa estar.

A comunidade progressista precisa estar.

A comunidade preta precisa estar.

Porque, no fim, a pergunta é simples:

quem nos representa?

Distribuir Fanon não é só lançar um filme.

É ter posicionamento.

É afirmar o que precisa existir.

É disputar espaço.

É disputar narrativa.

É disputar memória.

E, no fim, é sobre se ver representado na tela.

Nossos heróis.

FANON – PROGRAMAÇÃO

Região Sudeste

São Paulo

• Cine SESC: 17h
• IMS Paulista: 15h30, 15h40, 19h30, 19h40 e 21h30
• Cinesystem Belas Artes: 15h40
• CCSP (Sala Lima Barreto): 17h00 (Exceto dia 15/05, que será às 14h00)
• Cine Sala FAAP: 20h30
• Espaço Petrobras de Cinema: 20h50
• Casa Belas Artes (Ribeirão Preto): 19h00

Rio de Janeiro

• Estação Net Rio: 14h30 e 16h25 (Sex/Qua) | 16h00 e 21h00 (Sáb/Dom)
• Cinecarioca José Wilker: 20h10
• Estação Net Gávea: Sáb, Seg e Qua (Consulte horários específicos)

Minas Gerais

• Cineart Ponteio (BH): 16h30
• IMS Poços: 19h

Região Sul

• Paradigma Cine Arte (Florianópolis): 14h00
• Cine Multi (Florianópolis): 21h00
• Cineplex Batel (Curitiba): 14h00 e 20h
• Cinema Ulisses Geremias (Caxias do Sul): 15h30

Região Nordeste

• Cine Glauber Rocha (Salvador): 19h20
• Saladearte UFBA (Salvador): 19h50

Região Norte

• Cinex Araguaína (TO): 19h35
• Cinex Gurupi (TO): 19h35

Região Centro-Oeste

• Cine Aurum Oscar Niemeyer (Goiânia): 19h15
• Mostra de Goiânia: 19h e 19h15

As autoras Cidinha da Silva, Geni Núñez, Lilia Schwarcz, Luiza Romão, Márcia Tiburi e Micheliny Verunschk são alguns dos destaques da programação. Elas participarão de mesas de conversa e aulas públicas ao longo desta edição.

A mesa de abertura, prevista para as 10h30 de sexta-feira, terá expoentes do pensamento sobre o bem viver.

O político Alberto Acosta, o escritor Kaká Werá Jecupé e a jornalista Juliana Gonçalves abordam o conceito a partir das cosmologias indígenas, das formulações andinas e da perspectiva das mulheres negras.

Ainda neste contexto, a escritora e multiartista negra Thereza Santos (1930-2012), que integrou o Partido Comunista e foi ativista do movimento negro e pelos direitos humanos, é a homenageada deste ano no evento.

A vida e a trajetória de Thereza serão lembradas e celebradas em mesa de conversa marcada para sábado (2 de maio de 2026), às 18h.

O evento reunirá mais de 60 editoras e livrarias, além de promover cerca de 70 atividades culturais gratuitas. Organizada pela Livraria Simples, com apoio de outros livreiros e organizações do Bixiga, a feira incluirá atividades para crianças, apresentações musicais e roteiros de turismo.

Um dos roteiros é o Negros do Bixiga, que percorrerá a herança afro-brasileira do bairro.

Anelis Assumpção e Claudia Balthazar vão tratar, em mesa de conversa, sobre lutas e caminhos para preservação da memória negra, partindo das experiências do Museu Itamar Assumpção e do coletivo Mobiliza Saracura Vai Vai.

Os escritores e jornalistas Fernando Morais e Cecília Olliveira discutirão temas relacionados às dinâmicas políticas no país e o acirramento da violência. O economista e político Eduardo Suplicy analisa, em aula pública, a realidade brasileira e o projeto da Renda Básica de Cidadania.

Além da programação voltada à literatura, organizações do bairro vão promover atividades como oficinas de reciclagem, de bordado, de tricô, orientação jurídica, atividades físicas e troca de mudas de plantas.

A programação completa está no site da Flir.

Fonte: Agência Brasil

A Fundação Theatro Municipal de São Paulo vai expandir o programa FTM Expandida com a abertura de três novos cursos gratuitos de música e dança em regiões periféricas.

A medida consolida a política de descentralização cultural que já atende centenas de jovens na capital paulista. Conforme a coluna de Mônica Bergamo na Folha de S.Paulo, o primeiro núcleo será inaugurado em agosto no CEU Uirapuru, na zona oeste da cidade.

As outras duas unidades serão instaladas nas zonas leste e sul, ampliando o alcance do projeto. O FTM Expandida teve início em 2024 e atende atualmente cerca de 560 alunos.

Os cursos funcionam nos CEUs Três Pontes, Parelheiros e Jardim Paulistano. As atividades incluem balé, dança contemporânea, danças brasileiras, violão, flauta doce, trompete, violino e violoncelo.

A formação é voltada para estudantes de 6 a 14 anos, tanto da rede pública quanto da privada, sem exigência de experiência prévia. O diretor-geral Abraão Mafra afirmou que o objetivo é fortalecer o sentimento de pertencimento dos alunos em relação ao seu território.

Mafra destacou que a presença do Theatro Municipal nas periferias movimenta a economia local e cria novas oportunidades de aprendizado e convivência. Sete alunos do CEU Três Pontes ingressaram recentemente na Escola de Música da FTM, demonstrando o impacto direto do programa.

A Fundação conta com orçamento de R$ 168,5 milhões para 2026. Desse valor, R$ 132 milhões são repassados à organização social Sustenidos e cerca de R$ 36 milhões destinam-se aos projetos educacionais.

A expansão reforça o compromisso com o acesso à cultura na cidade. O projeto busca aproximar o prestígio do Theatro Municipal de comunidades que historicamente tiveram pouco contato com grandes instituições artísticas.

Com informações de REDIR.

Os agentes municipais vão atuar em várias áreas para assegurar o sucesso do evento e o funcionamento da cidade.

Para facilitar o deslocamento do público, haverá uma operação especial de transporte, com linhas exclusivas saindo de Botafogo para Copacabana, além do funcionamento 24 horas do Metrô e da Linha 1 do Veículo Leve sobre Trilhos (VLT).

A prefeitura também detalhou as interdições de acesso e estacionamento em Copacabana, que começam no início da madrugada de sábado. Além disso, 318 câmeras serão utilizadas no monitoramento da região de Copacabana, sendo 162 instaladas na orla e em vias próximas ao evento.

“Essa não é a cidade dos grandes eventos por acaso. A cidade do Rio de Janeiro tem uma expertise, um histórico de grandes realizações na área de eventos e que vão muito além da prefeitura, do governo ou dos órgãos públicos. Festa para a gente é coisa séria”, disse o prefeito do Rio, Eduardo Cavalieri, durante a apresentação do planejamento.

A cantora colombiana Shakira desembarcou em um jato particular às 10h30, no aeroporto Internacional do Rio de Janeiro (Galeão). De lá, a artista seguiu direto para o hotel Copacabana Palace, onde está hospedada com toda sua comitiva.

Show

A festa começa às 17h30, com apresentações de dois DJs convidados no palco montado em frente ao Copacabana Palace. O show principal, de Shakira, está previsto para as 21h45 e deve durar cerca de duas horas.

Após a apresentação, a partir da 0h15, outro DJ assume o comando. “Ele vai ficar até 2h da madrugada para aqueles que querem aproveitar mais e sair com mais calma, sem necessidade de correria, ajudando a dispersão do evento com segurança”, explicou o presidente da Riotur, Bernardo Fellows, durante o detalhamento da operação oficial.

Como ocorreu em outros shows na praia, haverá estrutura especial para pessoas com deficiência, com três áreas reservadas: em frente a Rua Duvivier, a Rua Ronald de Carvalho e a Avenida Prado Júnior.

Bloqueio

Haverá 78 torres de segurança ao longo da orla e uma Central de Órgãos Públicos para monitoramento do evento, na altura da Rua República do Peru. O acesso de pedestres contará com 18 pontos de revista, como em eventos anteriores, distribuídos por toda a orla de Copacabana.

A Polícia Militar proibirá, nos bloqueios, a entrada com garrafas de vidro.

Também estão proibidas a comercialização de garrafas de vidro por ambulantes, cercamento de áreas públicas por barraqueiros, utilização de área maior do que a autorizada pelos quiosques, estacionamento em vias interditadas pela Companhia de Engenharia de Tráfego (CET-Rio) e carga e descarga de mercadorias fora do horário determinado.

Interdições

A Companhia de Engenharia de Tráfego do Rio de Janeiro (CET-Rio) vai implantar uma operação especial de trânsito para o evento.

O esquema terá início à 0h de sábado (2), com a interdição total da Avenida Atlântica e de seus acessos para carros de passeio, incluindo as pistas da orla e junto às edificações, além da proibição de estacionamento em Copacabana, Botafogo e na Avenida Epitácio Pessoa, na Lagoa.

Os ônibus de fretamento também estarão proibidos de entrar em Copacabana a partir da 0h de sábado, assim como de estacionar em áreas próximas, como Botafogo, Ipanema, Urca, Avenida Epitácio Pessoa e Morro do Pasmado.

Às 18h de sábado, terá início o bloqueio geral das vias de acesso a Copacabana, com exceção para táxis e ônibus regulares. O Aterro do Flamengo e a Enseada de Botafogo também serão interditados neste horário, para a preparação do terminal de ônibus destinado à saída do público. Às 19h, o bloqueio passará a ser total para todos os tipos de veículos, incluindo ônibus e táxis, que não poderão mais circular pelo bairro.

O trânsito em Copacabana começará a ser liberado a partir das 4h da madrugada de domingo (3). Permanecerão interditadas a pista da orla da Avenida Atlântica, para a área de lazer, como ocorre aos domingos e feriados, além de outros 24 pontos de bloqueio externos. A partir das 10h, será liberada a pista junto às edificações da Avenida Atlântica. A faixa reversível será implantada nessa pista.

Serão instalados 700 galhardetes com orientações sobre a proibição de estacionamento em Copacabana, para alertar os motoristas. Cerca de 3 mil vagas serão suprimidas na região. Também serão utilizadas 45 faixas de orientação e 31 painéis de mensagens variáveis, com informações sobre alterações no trânsito, horários e locais dos bloqueios, restrições de estacionamento e condições de tráfego.

A prefeitura recomenda que o público dê preferência ao transporte público, especialmente ao metrô, que não sofre impacto dos fechamentos viários; planeje o deslocamento com antecedência; evite as áreas interditadas; utilize rotas alternativas; e siga as orientações dos agentes de trânsito e da sinalização implantada.

Fonte: Agência Brasil.

O documento, publicado no Diário Oficial da União, serve de instrumento para que estados, municípios e sociedade civil conheçam e implantem os novos normativos de gestão cultural aprovados desde 2023, como o Sistema Nacional de Cultura, o Programa Escola em Tempo Integral e o Sistema Nacional de Bibliotecas Escolares.

A base do plano é a compreensão de que a leitura e a escrita são instrumentos indispensáveis ao desenvolvimento das capacidades individuais e coletivas, de acordo com os princípios a seguir:

– compreensão do livro como economia, da leitura como cidadania e da literatura como valor simbólico criativo;

– valorização da leitura como ato criativo de construção de sentidos;

– promoção do direito à literatura;

– desenvolvimento da escrita criativa e literária;

– garantia de acesso ao livro e a outros materiais de leitura.

O Ministério da Cultura lançou no dia 23 deste mês a nova página do Plano Nacional do Livro e Leitura. A navegação foi organizada em áreas temáticas que facilitam o acesso aos conteúdos. Entre os destaques estão as seções Políticas e Programas, Legislação, Guias e Cartilhas.

Após um período de desatualização desde o ciclo anterior (2006-2016), a retomada do Ministério da Cultura, em 2023, recolocou a construção do novo Plano como prioridade. A execução do plano envolve, além do Ministério da Cultura e da Educação, instâncias colegiadas responsáveis por sua governança.

Fonte: Agência Brasil.

Nesta quarta-feira (29), foi publicada no Diário Oficial da União a Lei 15.396, que regulamenta a atuação de profissionais de dança com regras sobre ambiente de trabalho e direitos autorais, após sanção do presidente da República, Luiz Inácio Lula da Silva.

O texto estabelece que os direitos autorais serão devidos após cada exibição de obra. A norma também proíbe a cessão de direitos autorais e conexos obtidos com a prestação de serviços. Para os profissionais de dança itinerantes, a lei determina que seus filhos tenham transferência garantida para outras escolas, desde que sejam públicas.

A norma provém do Projeto de Lei do Senado (PLS) 644/2015, do ex-senador Walter Pinheiro (BA), aprovada na Casa em 2016. Para ele, a dança não se restringe à cultura, mas possui “relevante repercussão econômica e é uma das expressões do desenvolvimento de um país”.

Contrato de trabalho

Pela lei, ainda que um contrato tenha cláusula de exclusividade, o trabalhador poderá prestar outros tipos de serviços a outro empregador, desde que não incorra em prejuízo para o contratante.

O empregador deverá fornecer guarda-roupa e demais recursos indispensáveis ao cumprimento das atividades contratadas.

Quando o trabalho for executado em município diferente do previsto em contrato, ficarão por conta do empregador as despesas com transporte, alimentação e hospedagem.

O texto reforça que o profissional da dança não pode ser obrigado a interpretar ou a participar de trabalho que possa colocar em risco sua integridade física ou moral.

Não haverá conselho de fiscalização da categoria nem exigência de diploma de formação, sendo livre o exercício da profissão.

Atribuições

São considerados profissionais de dança:

• coreógrafo e seus auxiliares;
• ensaiador de dança;
• bailarino, dançarino;
• intérprete-criador;
• diretor de dança, de ensaio, de espetáculos e de movimento;
• dramaturgo de dança;
• professores;
• curador de espetáculos de dança;
• crítico de dança.

Fonte: Agência Senado

A pintora mexicana Frida Kahlo se consolidou como símbolo de identidade, resistência e autenticidade — sua imagem circula em cédulas monetárias, museus, bolsas e camisetas em escala global.

A historiadora da arte alemã Helga Prignitz, especialista em Kahlo, afirma que a artista ocupa posição central na identidade cultural do México. O lar da pintora na Cidade do México atrai visitantes de diversas partes do mundo.

De acordo com o portal Tagesschau, a coleção Gelman Santander pretendia manter obras de Frida Kahlo em exposição permanente na Espanha. O governo mexicano assegurou o retorno dessas peças ao país até 2028.

Filha de fotógrafo alemão e mãe indígena, Frida Kahlo orgulhava-se de suas origens mestiças. A artista cultivava ligação mais intensa com o lado mexicano de sua herança cultural.

Kahlo incorporava elementos da cultura popular mexicana em sua estética vibrante. Ela vestia trajes tehuanos e desafiava padrões coloniais e de gênero em sua apresentação pessoal.

A pintora representava o corpo feminino e a dor sem concessões em sua obra. Essa abordagem a posiciona como precursora de expressões artísticas feministas e queer.

Seus autorretratos funcionam como espelho de intensa busca interior. Muitos críticos consideram Frida Kahlo uma precursora dos selfies muito antes da era digital.

Um grave acidente de ônibus na juventude causou sequelas permanentes na artista. Ela utilizou o sofrimento físico como material principal para sua criação estética.

Em “A Coluna Partida”, de 1944, Frida Kahlo expõe seu tronco aberto revelando colunas quebradas. A obra transforma fragilidade em poderosa declaração de resistência.

Após o divórcio do muralista mexicano Diego Rivera em 1939, a artista produziu “Autorretrato com Cabelo Cortado”. Nessa pintura, ela aparece com terno masculino e mechas de cabelo espalhadas pelo chão.

O gesto representou ruptura simbólica com expectativas sociais de gênero. Helga Prignitz conecta essa criação aos debates contemporâneos sobre identidade e direitos LGBTQIA+.

O público internacional frequentemente via Frida Kahlo como figura exótica ligada a folclore e cores intensas. Essa perspectiva ignora a profundidade de suas reflexões sobre corpo, nacionalidade e autonomia pessoal.

Diversas obras da pintora permanecem inacessíveis em coleções privadas ou se perderam com o tempo. Suas imagens mais conhecidas ainda funcionam como ícones de empoderamento autêntico.

Os desenhos produzidos por Kahlo durante convalescenças revelam faceta mais direta e introspectiva. Esses trabalhos registram pensamentos, desejos e aspectos de sua sexualidade com traços intensos.

Helga Prignitz testemunhou pessoas chorando diante das pinturas de Frida Kahlo. A capacidade de gerar empatia profunda mantém a artista relevante para o público contemporâneo.

A obra de Frida Kahlo funde experiências pessoais com questões coletivas de forma inseparável. Sua trajetória demonstra o potencial da arte para promover autoconhecimento e transformação social.

O compositor italiano Nicola Piovani, vencedor do Oscar por A vida é bela, usou ironia e lucidez para discutir o impacto da inteligência artificial sobre a criação musical.

Durante o encontro ‘A música para o cinema nos tempos da IA’, promovido pela Fundação Ennio Morricone e pela Associação de Compositores de Música para Filme em Roma, ele brincou que a tecnologia poderia substituir não só os compositores, mas até os próprios ouvintes e entrevistadores. A observação, feita com humor, abriu uma reflexão mais profunda sobre o papel da criatividade humana em meio à revolução digital.

Segundo a agência ANSA, Piovani relatou ter ouvido uma peça musical composta por IA ‘no estilo Piovani’. Após o espanto inicial, o maestro respondeu com ironia que talvez devesse registrá-la na SIAE, a sociedade italiana de direitos autorais.

O músico destacou que a reação humana diante das inovações tecnológicas sempre foi marcada por desconfiança. Ele lembrou exemplos históricos que vão da rejeição à pergaminha no Império Romano até a resistência ao livro digital e à energia elétrica nos séculos seguintes.

Para Piovani, o medo do novo é um traço constante da humanidade, especialmente entre gerações mais velhas. Ele citou o escritor Hans Magnus Enzensberger e o político italiano Walter Veltroni para reforçar que o problema não está na tecnologia em si, mas em como ela é utilizada.

O compositor comparou a invenção da lâmina — capaz tanto de curar quanto de matar — com a do plástico, que apesar de demonizado salva vidas em aplicações médicas. Ele também mencionou o uso ambíguo dos drones, que podem tanto entregar ajuda humanitária quanto lançar bombas sobre civis.

O maestro recordou que a música sempre incorporou avanços técnicos, desde o surgimento do microfone até o uso de programas de edição digital. No passado, a chegada das cópias xerográficas foi recebida com o mesmo ceticismo que hoje cerca a IA — e acabou ampliando o acesso à arte e à produção cultural.

Para ele, a tecnologia democratizou o ato de ouvir e criar música, tornando-a onipresente e acessível a todos. Piovani argumentou que a IA não ameaça os verdadeiros criadores, mas sim os músicos que apenas reproduzem estilos já consagrados.

Segundo ele, a parte da composição que se limita a imitar o trabalho de outros está em crise, pois os algoritmos são capazes de replicar padrões com perfeição. O compositor defendeu que a invenção genuína é o que distingue o artista do ‘fotocopista’ — e que a máquina jamais substituirá a capacidade humana de romper convenções e criar o inédito.

Para ilustrar, ele imaginou como seria o cenário se a IA existisse nos anos 1960. Um programa poderia ter composto uma trilha sonora ‘à la Dimitri Tiomkin’ para um western de baixo orçamento, mas jamais teria concebido as inovações sonoras de Ennio Morricone, que revolucionou o gênero com instrumentos inusitados como o scacciapensieri, o mandolim e o assobio.

Essa originalidade, segundo Piovani, é algo que nenhuma máquina pode reproduzir. O compositor encerrou sua intervenção com uma reflexão política sobre o impacto social das novas tecnologias.

Ele afirmou que os avanços científicos deveriam servir para reduzir o tempo de trabalho e melhorar a vida das pessoas, mas que na prática têm reforçado a concentração de riqueza e poder nas mãos de poucos. Piovani criticou a lógica do lucro máximo, que transforma trabalhadores em descartáveis, e alertou que o verdadeiro problema da IA não é técnico, mas político e social.

Com essa análise, o maestro italiano propõe uma visão humanista e crítica sobre o futuro da criação artística. Sua fala ecoa um debate global sobre o papel das máquinas na cultura e na economia, em um momento em que a inteligência artificial redefine as fronteiras entre o humano e o automatizado.